Friday, July 25, 2014

The Swamp excerpt

The Swamp by Anne Senstad
Created in conjunction with the exhibition The Sugarcane Labyrinth, Prospect 3 Satellite curated by Pamala Bishop.
Music composed and performed by JG Thirlwell.
3.40 min


Thursday, June 12, 2014

The Sugarcane Labyrinth - Prospect 3 Satellite

The Sugarcane Labyrinth by Anne Senstad 
Curated and Produced by Pamala Bishop

Opening: October 25, 2014 
New Orleans, USA

About Propsect 3 New Orleans Biennial:

The Sugarcane Labyrinth excerpt:


The Sugarcane Labyrinth by Anne Senstad
(In French and English)
11.22 min loop
Soundtrack by JG Thirlwell, 4 channel surround sound

Edited by Manuel Sander

Video Funded by : Norwegian Visual Artists Remuneration Fund/

Billedkunstnernes Vederlagsfond

A short film about the making and experience of The Sugarcane 
Labyrinth located in Theriot, Louisiana. The film shows the 
experience of the walk through, getting lost in the labyrinth 
and the physicality of the volume of the labyrinth through 
the use of split screen. The added extractions of poetry and 
literature bring the viewer into a labyrinthian experience 
of the mind.

As a film about land practice and the phenomenology of space 
and land, Senstad has included the process of construction and 
time, as agriculture here represents nature and labor of the land 
through working with farmers and farmhand through the seasons. 
By using pink ribbons to construct the architectural formation of 
the labyrinth, the ribbons represent both mythology and the 
artists touch. The film is a portrait of The Sugarcane Labyrinth 
from construction to final completion with the framework being 
the experience of the piece itself.

The music of J G Thirlwell, known from Foetus, Manorexia, 
Steroid Maximus and Venture Bros, was composed especially for 
the film, and brings the viewer through the labyrinthian process 
with beautiful, hypnotic and haunting soundscapes.

The Sugarcane Labyrinth in Theriot, LA was supported by The Royal
Norwegian Consulate General Houston, Kleentek Theriot and Triple 
K & M Farms Inc.

Thursday, May 8, 2014

Berlin Art Link April 8 2014 by Sarah Corona

Anne Katrine Senstad:

Light Writes Always in Plural

Article by Sarah Corona in New York; Tuesday, Apr. 8, 2014
From Goethe to Octavio Paz, from James Turrell and Dan
Flavin to Douglas Wheeler, they are all trying to get to one 
thing: light, in all its shapes and colours. Light as an 
object, as an architectural element. Light as a
philosophical motto. Light as a political and moral frontier.
That is to say, “Light writes always in plural,” for its range
is boundless. It occupies space and seeps everywhere — like 
water – altering it physically and psychologically.

The media that Anne Katrine Senstad uses to express
her ideas range from neon installations to projections, 
from photographic printing to site-specific land art. 
Senstad inserts light and luminous bodies in everyday 
spaces, whether exterior or interior, inhabited or not. 
And these physical places often serve as messengers 
from a world in which human emotions and 
existence are reduced to a minimum.
And it’s precisely the neon work Light Writes 
Always in Plural which opens the discourse on 
the artistic production of Senstad. Inspired 
by the title of Octavio Paz’s essay “Water Writes
Always in Plural,” on the art of Marcel Duchamp
the neon work not only emanates its bluish
light into all crevices, but it is also a witty play
on words and concepts about philosophy and life. 
Underlying this florescent tube is a careful 
analysis and critique of our use of language
as a means of mass communication.

Anne Katrine Senstad – “Light Writes Always in 
Plural” (2008), neon tubes, transformer

The literature and philosophy of the great thinkers
have inspired other neon works by Senstad.Forget
 Flavin comes from the title of Baudrillard‘s 
“Oublier Foucault” (1977), simultaneously an
ode to and critique of Foucault that remains 
unanswered. Senstad appropriates Baudrillard’s 
concept, declaring through the artwork her
admiration and antagonism of the American 
minimalist artist. Translated into Chinese 
characters, the title takes on a significance 
beyond visual translation that reflects 
the charged relationship between image
and word. A third example is Light Owes 
Its Existence to the Eye, a quote from Goethe
and a reference to his obsession with light 
and colour. The works and phrases in neon
become a subliminal reminder and visual 
symptom of an intellectual concept, 
translated into tangible objects.
Senstad’s installations in nature, or land art,
take on a political twist. A prime example is 
The River of Migration (2010), comprised of 
72 lights planted in a hilly Californian landscape 
in order to create a line that interferes 
with the local geography. It is not just an
intervention in the landscape, but a strong 
gesture of opposition to the policies of 
migration — a silent memorial to those who have 
lost their lives trying to cross the U.S.-Mexican 
border. The solar-powered lamps represent the 
victims of 2010, the year she realized the project. 
The long line of lights down a hillside talks about 
the nature of migration and how bodies of people 
crossing long distances will naturally walk in a 
sequential manner according to age, physical 
health, group importance, and their delegated task. 
The phenomena of artificial lights in a natural, 
untouched landscape evokes notions of light and 
darkness, nature and the artificial, the environment
and the untouched landscape, providing a scenario 
for interaction and intervention.

Anne Katrine Senstad – “The River of migration”, 
(2010), video still, 4.53 min

The works with which Anne Senstad most captures 
the attention of the viewer are the large environmental 
installations. Through the projection
 of coloured lights, she tints entire spaces 
in red, blue, yellow, green, and all shades in between. 
Combined with specifically composed sound, 
the visions of colour create a visual poetry leading 
the viewer to a sensory experience approaching a 
synaesthetic phenomenon. “The optical illusions 
experienced when physically enveloped in artificially 
projected colors, shapes, and sound,” Senstad 
explains, “give way to the momenta of 
kinesthesia.” Such is the experience of her work 
Kinesthesia for Saint Brigid (2011-12), an 
installation consisting of a continuous 
projection of colours in a former church in 
Ottawa (Canada). Accompanied by pulsating 
background music, composed by JG Thirlwell
the work gives rise to a transcendental experience 
of art. “It’s about creating life in an 
enclosed and uninhabited space,” says Senstad. 
Inspired by Plato’s “Cave and Pharmakon,” the 
sensory and perceptive aesthetics are 
combined with spatial relations, structures of 
architectonic spaces, and retinal experiences of 
the prisoner’s cinema.

Anne Katrine Senstad – “Kinesthesia for Saint Brigid”
(2011), video still

Evolving from this work is Universals (2013),
exhibited as part of the 55th Venice Biennial of 2013. 
A polygon made of transparent plexiglass tubes inhabits 
the center of the exhibition space and is continuously 
exposed to fields of coloured light. Divisive fields of
projected light, and the subsequent re-assembling 
into a solid, create the sculpture. The work challenges 
the boundaries of architecture, video, and traditional
 concepts of sculpture and strengthens Senstad’s ideas
of using light and colour to solidify space. A similar 
concept is expressed in her photographic 
prints, where we can observe foldouts of hypothetical
sculptures — impossible solids made of coloured rays, 
visible only “thanks to a perfect combination 
between the distribution of shadow and light
reflected from a transparent object.” (Goethe)
Sarah Corona holds a BA in Fine Arts and a MFA
in Communication and Management of Art 
(University of Bologna). Based in New York, she 
works as independent curator, art historian and
journalist for international art magazines with a 
focus on the intersections between technology 
and art.

OR NOT Magazine - Light Writes Always in Plural

May 8th  2014

Light writes always in plural – Anne Senstad

di Sarah Corona

Da Goethe a Octavio Paz, attraverso James Turrel, Dan Flavin
e Douglas Wheeler, per arrivare a una sola cosa: la luce in
tutte le sue forme e colori. La luce come oggetto, come
elemento architettonico, la luce come motto filosofico. La
luce come confine politico ed etico.
Come per dire, “La luce scrive al plurale”[1], ponendo l’accento
sul fatto che il suo raggio d’azione non ha confini. Si comporta
come l’acqua, s’infiltra dappertutto, occupa lo spazio e lo altera
fisicamente e psicologicamente.
media che Senstad usa per esprimersi variano dal neon alla
proiezione, dalla stampa fotografica all’installazione site-specific
e la land-art. Senstad si occupa di inserire la luce e/o corpi
luminosi nello spazio quotidiano – sia esterno o interno,
abitato o non. E questi corpi fungono spesso come metafora
o messaggeri di un mondo umano in cui emozioni ed esistenza
sono ridotti al minimo.
È proprio l’opera al neon “Light Writes Always in Plural” che
apre lo scenario alla produzione artistica di Senstad. Ispirata
dal titolo di Octavio Paz nel saggio sulle opere d’arte di
Marcel Duchamp “Water Writes Always in Plural”, il neon
non solo emana la sua luce bluastra dovunque, come
l’acqua, ma rappresenta anche un gioco intelligente di
parole e concetti di filosofia e vita. Sotto il tubo fluorescente
si nasconde un’attenta analisi e critica della nostra lingua,
intesa come mezzo di comunicazione di massa.
Alla letteratura e alla filosofia di grandi pensatori sono ispirate
anche gli altri lavori al neon. “Forget Flavin” nasce dal titolo
dell’articolo di Baudrillard “Oublier Foucault” (1977),
un’ode/critica a Foucault che è sempre rimasta senza risposta. 
Senstad si appropria del concetto trasformandolo in opera 
d’arte luminosa “Forget Flavin”, dichiarando all’artista 
minimalista americano la sua ammirazione e antagonismo. 
Tradotto in ideogrammi cinesi, la frase assume poi non 
solo un addizionale valenza visiva/iconografica, ma la 
relazione immagini/parola è caricata di ulteriore significato. 
Un terzo esempio è “Light Owe’s it’s Existence to the Eye”, 
una citazione di Goethe e un riferimento alla sua ossessione 
per la luce e il colore. Le opere/ frasi al neon sono quindi 
subliminali promemoria e sintomi visivi di un 
concetto intellettuale/artistico, tradotti in oggetto tangibile.
Un aspetto più politico assumono le installazioni nella natura,
land art. Un’opera esemplare è “The River of Migration” 
(2010) realizzato nella bassa California e fatto di 72 luci 
piantate nel paesaggio collinare, in modo da creare un 
una linea spaziale che interferisce con quella geografica. 
Non si tratta solo di un intervento nella geografia, ma di 
un forte gesto di opposizione alle politiche di migrazione: 
un’opera/monumento silenziosa a quelli che hanno perso 
la vita cercando di fuggire oltre il confine del Messico. 
Le lampade a energia solare rappresentano le vittime del 
2010, anno di realizzazione del progetto. La sequenza delle 
luci ricorda l’atto di processione migratoria, il raggruppamento 
dei membri secondo età, stato di salute, compito nel gruppo. 
Il fenomeno di luce artificiale in un paesaggio naturale e 
incontaminato riflette sulla nozione di giorno e notte, luce 
e buio, proponendo un pretesto d’intenzionale interazione.
Le opere nelle quali però riesce a catturare maggiormente
l’attenzione dello spettatore sono le grandi installazioni
ambientali. Attraverso la proiezione di luce colorata tinge
interi ambienti di rosso, blu, giallo, verde e tutte le loro
sfumature intermedie. Combinato a suoni prodotti appositamente,
si crea una poesia visiva e lo spettatore è indotto a
un’esperienza sensoriale che, attraverso visioni di puro colore
e suono, confina a un fenomeno sinestetico. Senstad spiega:
“È la percezione oculare che si sperimenta in natura, combinata 
a un’illusione ottica vissuta fisicamente, perché avvolti da campi 
di colore, forme e suoni artificiali, a creare momenti di totale 
Cosi è l’opera “Kinesthesia for Saint Brigid” (2011-12),
un’installazione composta da una continua proiezione
di colori in una chiesa sconsacrata ad Ottawa (Canada).
Accompagnata da un sottofondo musicale incalzante,
composito da JG Thirlwell, l’opera dà origine a
un’esperienza d’arte trascendentale. “Si tratta di creare 
vita in uno spazio chiuso e inabitato” dice Senstad.
Evoluzione di quest’opera è “Universals” (2013), esposta
nell’ambito della 55. Biennale di Venezia del 2013. Un
poligono realizzato con tubi di plexiglass trasparente
abita il centro dello spazio espositivo ed è continuamente
esposto a campi di luce colorati. La scultura nasce
dalla scissione dei campi di proiezione di luce, e la
seguente ricomposizione in un solido. L’opera sfida i
confini dell’architettura, del video e dell’idea tradizionale
di scultura nell’ambito di uno spazio chiuso e definito
ed evidenza il tentativo di solidificare lo spazio che
luce e colore abitano. E chiusi e ben definiti sono
anche le sue stampe digitali nelle quali possiamo
osservare piante d’ipotetiche sculture, solidi impossibili
fatti di raggi colorati e visibili. Come direbbe Goethe,
“visibili solo grazie a una perfetta combinazione tra la 
distribuzione dell’ombra e della luce riflessa da un 
oggetto trasparente.”

[1] Da Octavio Paz on Duchamps work “Water writes alway in plural”